Nach dem Krieg wurden Maßnahmen zur Sicherung der Zukunft des deutschen Kinos ergriffen, darunter die Aufteilung der Mittel auf eine größere Zahl kleiner Produktionsfirmen sowie Beschränkungen für ausländische Importe. Die Besucherzahlen stiegen, aber Filme aus dem Ausland waren mit Abstand am beliebtesten, wobei einheimische Filme nur 40 % des Marktanteils einnahmen.

Der wirtschaftliche Abschwung versetzte den 1950er-Jahren einen weiteren verheerenden Schlag, da die Besucherzahlen erheblich zurückgingen und viele Produktions- und Vertriebsunternehmen schlossen. Die Anzahl der Bildschirme wurde nahezu halbiert und die Größe verringerte sich erheblich von 123 im Jahr 1955 produzierten Spielfilmen auf nur 65 zehn Jahre später. Es musste ein Gleichgewicht zwischen Quantität und Qualität gefunden werden, ein Gleichgewicht, das genau zum richtigen Zeitpunkt kam, als eine mutige Gruppe angehender Autoren das Gesicht des deutschen Kinos veränderte und seine vielleicht beste Periode seit langem einläutete sein einflussreichster Staat aller Zeiten.

In den frühen 1960er-Jahren erhielt das erdrückende Regime in Deutschland die Dosis, die es dringend brauchte. Dies begann ernsthaft, als 26 Filmemacher auf einem internationalen Kurzfilmfestival eine Erklärung unterzeichneten, die als Oberhausener Manifest bekannt wurde. Am 28. Februar 1962 wurde „A Call to Arms“ veröffentlicht, um eine neue Ära im Kino einzuleiten und die Verbindung zur Vergangenheit abzubrechen, um eine bessere Zukunft aufzubauen.

Obwohl dies in der Stellungnahme nicht wörtlich vorkommt, wird es mit dem Begriff „Papas Kino ist tot“ in Verbindung gebracht, was „Papas Kino ist tot“ bedeutet. Die stimmungsvollen und klaren 26 Unterzeichner wurden größtenteils in den 1920er und 1930er Jahren geboren und versuchten, ihre Distanz zum Abschwung der Kriegs- und Nachkriegsjahre zu nutzen, um dem Medium ihren eigenen Stempel aufzudrücken.

Was die weltweite Bekanntheit, die ungezügelte Originalität und sogar den Ticketverkauf angeht, befindet sich das deutsche Kino auf einem langen Tiefpunkt. Mit der Unterstützung von mehr als zwei Dutzend angehenden Autoren nahmen sie es sich zur Aufgabe, das Filmemachen nach ihrem eigenen Vorbild neu zu gestalten, indem sie kühne Geschichten aufgriffen, stilistische Ausdrücke übernahmen, die gegen die etablierte Norm verstießen, und sich bis zum Äußersten unterstützten.

Paul Verhoevens Mentor Rob Heuer, der existentialistische Maestro Alexander Kluge, der Oscar-prämierte Dokumentarfilmregisseur Haro Senft und der zukünftige Stanley Kubrick-Mitarbeiter Franz Josef Spieker gehörten zu den 26 Unterzeichnern der Erklärung von Oberhausen. Ihr Vermächtnis nahm jedoch erst Gestalt an, als Filmemacher auftauchten, die in ihre Fußstapfen treten wollten und die Bewegung „Neues Deutsches Kino“ ins Leben riefen.

Zu ihnen gehörten der Rebell Werner Herzog, der einflussreiche und freizügige Rainer Werner Fassbinder, der zum Nachdenken anregende Wim Wenders und Margarethe von Trotta, um nur einige zu nennen. Ausgehend vom Auftrag des Oberhausener Manifests war für die neue Generation von Regisseuren nichts tabu, denn sie ließen sich von den Menschen selbst inspirieren, um künftigen Kreativen neue Wege zu ebnen. Von den 1940er-Jahren bis zum Beginn der 1960er-Jahre war es düster, doch dann kam es endlich zu einem erdbebenartigen Wandel.

Vor dem Beginn des Neuen Deutschen Kinos waren die meisten lokalen Werke Filme irgendeiner Art. Western, Noirs, Krimis und Horror waren an der Tagesordnung, wobei Originalität und Fantasie durch die Einschränkungen, die den Filmemachern durch die strengen Geschäftsbedingungen, die die Branche antreiben, auferlegt werden, unterdrückt werden. Glücklicherweise wichen die Inspiration und der Einfluss des Oberhausener Manifests einer kühnen, strahlenden, kühnen neuen Ära, als sie am meisten gebraucht wurden.

Sexuelle Grenzen und Tabus werden in Filmen wie dem von Rosa von Praunheim ausgelotet und verschoben Nicht der Homosexuelle ist abweichend, sondern die Gesellschaft, in der er lebt Und Volker Schlöndorff Junger Turlis. Auch in Alexander Kluges Filmografie gab es eindringliche Slice-of-Life-Dramen, die die Strapazen des Nachkriegsalltags beleuchteten. Das Mädchen von gestern Und Fassbinder Ali: Angst frisst die Seelewährend existenzielle Überlegungen dazu beitrugen, Hilma Sanders als Brahms zu definieren. Unter dem Pier liegt der Strand Und Herzog Aguirre, der Zorn Gottes.

Für das Neue Deutsche Kino war nichts tabu, und das zeigte sich auch an den kreativen und erzählerischen Risiken, mit denen seine berühmtesten Stars ihren Ruf eingingen. Im direkten Gegensatz zu den vorangegangenen zwei Jahrzehnten ging es ihnen nicht darum, ein Projekt zu schaffen, das das meiste Geld einbringt, sondern darum, das Kino in seiner reinsten und vollsten Form als Kanal zu nutzen, um echte soziale, gesellschaftliche und wirtschaftliche Belange widerzuspiegeln, ohne auch nur ein Gramm zu opfern Geld. Komposition.

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